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說一下個人淺見
上次看一篇文章，是位有名指揮家的專訪，登在聯合報上
(名字忘了，文章也不知跑哪去了)
(對了，他是外國人)
他提到古典音樂"作曲"的沒落是必然的。
沒錯，只是作曲的沒落，
因為古典音樂之所以能流傳數百年，必有其吸引人的地方，
不會隨時間流逝而消失；
然而，這需要靠樂曲的詮釋，
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這說的是這一篇
普雷特涅夫：古典音樂時代已結束
http://news.chinatimes.com/Chinatimes/newslist/newslist-content-forprint/0,4066,110513+112005092600235-hinet,00.html
2005.09.26 中國時報
普雷特涅夫：古典音樂時代已結束
整理/陳效真（樂評人）
近幾年在世界各地接受不同媒體訪問的時候，我常常提到「古典音樂
的時代已經結束」這個說法。
或許「結束」這個字眼太過強烈，許多人因而直覺認定我是個悲觀主
義者，對自己音樂事業的前景不再抱持希望。
事實上，我只是客觀陳述時代的變遷罷了。雖然古典音樂的時代
已經過去，但不表示它會就此被塵封起來，或化為灰燼。未來古典音
樂的「生命」將在演奏者詮釋下得以延續，而這是長久永恆的事。
●古典音樂定義須先釐清
首先，我要釐清「古典音樂」、「當代音樂」與「20世紀音樂」
這3個非常容易被混淆的名詞。「古典音樂」（Classical Music）指的
是文藝復興之後，17到20世紀近代歐洲的主流音樂傳統，「20世紀音樂」
（20th CenturyMusic，或Contemporary Music）專指「古典音樂」發展
到20世紀後的樣貌，而「當代音樂」（Modern Music）是指與古典音樂
不同源流的其他當代音樂，例如：爵士樂、搖滾樂、地方流行歌曲……等。
古典音樂300年就像一座巍峨的山脈，它隨著近代文明的曙光而產生，
並且逐漸發展到驚人的高峰，接著擴展成一座座美不勝收的山川丘陵。
然而隨著這段進化過程的完成，更上一層樓的高峰是不可能再出現了。
我認為，蕭斯塔科維奇第15號交響曲是古典音樂世界最後一座高山，
為3個世紀的古典音樂文化寫下結語。
為什麼呢？因為所有以這種音樂語言表達的內容都已經被表達完了，
這是藝術潮流發展到頂峰的必然現象。雖然仍有一些作曲家勉力創作，
可是無法出現任何能與前人作品相提並論的新意。古典音樂這個存在
300年的「現象」（phenomenon）已經在上個世紀結束。
那麼，那些傳承古典音樂理論訓練，至今仍孜孜不倦創作的前衛作曲
家又如何呢？我對他們的定位很清楚，他們是古典音樂發展完備後的
末流遺緒，將來只會日漸稀薄隱沒，不可能再成風潮。不信，試問有
多少愛樂者真的對這些充其量只是一堆噪音的作品感興趣？
我曾經花很長的時間研究這些作品，可是回首省思，覺得自己
是在浪費時間。有一回，我認真地拿好幾部布列茲（Pierre Boulez）
的作品來欣賞，可是聽到最後，覺得自己好像只拿同一部作品聽了幾次。
也許這東西對數學家還有點創意上的趣味，但對古典音樂的體系來說，
它只是一些無足輕重的聲音。愈是明瞭整個音樂發展過程的本質，愈是寧
可回去重讀每次都讓我發現新意的貝多芬。
●後古典體系的嚴肅音樂 等待天才來指引
後古典體系的嚴肅音樂，會是什麼樣子？我特別強調「嚴肅音樂」，
原因在區別與通俗音樂的不同路線。身為作曲家，我自認還在摸索過程，
我受的是古典音樂訓練，所以或多或少依然會從古典架構出發。我並不
認為我走的方向，能為將來的人們提出答案。真正的答案，得視未來
人們的思想及文化環境決定，並有待一位真正的天才來指引。就像早
先人們從自身所處環境，創造出自己的音樂語言一樣。最重要的是，
那將會是一種全新、有別於過去的音樂理念，一定要是新穎、能觸動人心的。
當然，在古典時代消逝、新的音樂文化未臨的現代，我們無庸擔心
古典音樂消失不見。人們總是珍視過往的藝術成就，就像那些輝煌的
古希臘、羅馬文化，偉大不朽的繪畫與文學作品，永遠吸引後世人們欣賞
與研究。古典音樂雖然已經結束，但是演奏時代正要跨入新階段呢。
音樂生命的延續，不是寄託在枯木死灰的樂譜上，而是掌握在
演奏者的手中。如果問我，現代電腦如此精巧，如果把音符輸入電腦，
讓它極忠實的演奏樂譜上的一切，不就可以達到「忠實再現」的效果？
還需要演奏者做什麼呢？不，那是垃圾！你不能說那些聲音是莫札特或
巴赫的作品，因為音樂必須與生命同在！
●演奏時代正要跨入新階段
這個例子也可以回覆我對演奏「忠誠度」的看法。我不認為所謂的
「忠於原譜」是絕對必要的，因為，什麼是「忠誠」呢？是要忠於記號，
還是作曲家的想法？樂譜上的符號只是暗示作曲家的想法，提供演奏者
詮釋判斷的材料。我讀譜的時候，會從我的角度理解作曲家的靈感來源、
腦子裡的想法與意圖，接著用我的方法，盡一切可能賦予音樂生命。
當然，我偶爾也會修改一些樂譜上的東西，因為我認為沒有一個作曲家
能真正在紙上掌握他所要的一切，這個時候，我得幫他一把。
千萬不要以為作曲家是自己作品最好的詮釋者，這種觀念是天大
的錯誤！有時候恰恰相反。就像史特拉溫斯基的芭蕾音樂，史特拉溫斯基
的詮釋就遠遠比不上梅塔（Zubin Mehta）或是布列茲精彩，
那就是因為演奏家往往比作曲家更知道如何在表演上達到更高層次的效果。
另一方面，音樂的演奏得自演奏者對樂譜的解讀，有時還加上自己的
創意。即使是那些最標榜「忠實」的演奏者，不過也是提出他個人的
看法，所以我們大可不必以為某個演奏家能演出「真正的」柴科夫斯基，
因為所有的音樂表演都只是「個人詮釋」而已。
此外，風格的判讀與重現也很重要。個人風格來自個性，
即使音樂以多種形式表現，還是能找出一以貫之的個性，就像無論
史特拉溫斯基的音樂作品如何千變萬化，還是可以聽出他個人的語言。
然而作曲家的風格也一直在進步、發展，並非一成不變，就像威爾第
最早期的簡單作品與最後一部歌劇「法斯塔夫」（Falstaff）就有
天壤之別，更別說華格納或是貝多芬。所以詮釋者也要能掌握正確
而恰當的風格，否則就會扭曲了作品的樣貌。
●我對音樂會觀眾心存感激
我總是對出席我音樂會的觀眾心存感激，現在音樂產業充斥著讓
我相當難受的商業包裝手法，我常半開玩笑的說，我的聽眾來源大部份
要歸功唱片公司的優秀包裝師，而不是我的音樂。在商業手法炒作下，
現在有太多演奏者像焰火般突然竄起，可是憑的可能是光鮮亮麗的外表
或駭人聽聞的八卦。但如果他們無法以演奏維持眾人的興趣，接下來的
宿命就是很快被無情的忘記。現在音樂廳愈蓋愈大，透過行銷手法來
填充座位的聽眾多了，可是真正從內心感受音樂的人少了。
所以，我總期待那些能從內心感受我的音樂的觀眾，哪怕他只是
靜靜坐在偏僻的角落。我會試圖以我最熟悉的語言向人們表達我的情感，
像說故事一樣，不讓觀眾感到無聊，並且希望我塑造的整體氣氛與架構
能感動他們，讓他們留下深刻的印象。我希望聽眾不是到音樂廳趕時髦、
湊熱鬧，而要像是走進教堂祈禱，雖然四週都是群眾，但卻能寧靜而
專注的，與音樂靈魂進行一對一的溝通。這樣，透過對音樂的愛與欣賞，
便能讓內在心靈無比豐富！
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